The richness of Latin American art

TERRITORIES: Contemporary Latin American Art in the Jorge M. Perez Collection
2 March – 1 September 2024
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Seville, Spain.

During my visit to Seville last week, I went to a temporary art exhibition titled: TERRITORIES – Latin American Art in the Jorge M. Pérez Collection, at the CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, based at the Monastery of the Cartuja (Charterhouse).

The venue has historical relevance on its own. Built as a monastery in the 15th century, it was vacated in the 19th century and acquired by an Englishman, Charles Pickman, to be used as a ceramics factory until late in the 20th century. In 1997, the Carthusian Monastery became the headquarters of the Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, or CAAC. However, despite the fantastic venue where the exhibition is based, the museum could benefit from clearer signage or directions for visitors. After purchasing tickets, we had to explore the building to find the entrance to the exhibition. Unfortunately, there were no signs or banners to guide us.

Seville’s historical significance as a river port and its role in transatlantic trade bring valuable context to the exhibition’s location. This exhibition contributes to the cultural landscape of Seville and its historical connections with Latin America.

The exhibition showcases a selection of works by more than 50 contemporary Latin American artists. Curated by the topics on which these artists choose to focus with their work, it highlights the socio-cultural plurality of Latin America and their concerns in relation to politics, borders, inequality, ethnicity, and integration with nature, among others. Including an abstract art room that is a bit more difficult to categorize in relation to these themes.

The collection on display belongs to Jorge M. Pérez (1949), known for his association with one of the most prestigious art institutions in the United States, the Pérez Art Museum Miami (PAMM). Pérez was born in Argentina to Cuban parents and raised in Colombia. A resident of Miami since 1968, he is an entrepreneur and philanthropist who began collecting art at a young age to maintain a connection with his Hispanic American roots and cultural heritage.

Upon entering the art show, the first artworks that greeted us were from ‘Colour is my business, 2012-2016’ by Alexander Apostol (Venezuela, 1969), a series of 12 photographs identifying the colours of Venezuelan political parties. It reminded me of the vibrant works of Brazilian artists like Hélio Oiticica – a joyful way to start an art show.

The art blueberry next to ‘Colour is my business, 2012-2016’ by Alexander Apostol

In the first room, there is also a floor art installation by Maria Nepomuceno (Brazil, 1973), incorporating weaving, ceramics, wood, and glass. It establishes a relationship between the body and nature, reflecting on memory and promoting an encounter between past, present, and future.

Untitled (2017) by Maria Nepomuceno

Another piece that caught my attention was ‘Dead Rats Don’t Open Their Mouths, 2014’ by MORIS (Israel Meza Moreno) (Mexico, 1978). His work offers a glimpse into everyday urban culture, integrating diverse social codes of the street.

The little art gooseberry next to ‘Dead rats don’t open their mouth’ by MORIS

Another room titled ‘Cartographies of the Spirit’ explores territorial intersection and socio-political boundaries, with works like Mateo Lopez’s (Bogota, Colombia, 1978) blackboard ‘Board, 2014,’ reflecting on identity and memory.

‘Board, 2014’ by Mateo Lopez

In the central corridor, ‘Vertical 19’ by Claudia Andujar (Switzerland, 1931) portrays the Yanomamis in the Catrimani River basin in Brazil, showing their integration with nature.

‘Vertical 19’ by Claudia Andujar

A separate room showcases ‘Eu, mestizo, 2017’ by Jonathas de Andrade (Brazil, 1982), exploring mestizaje, ethnicity, and class in Latin America. Andrade dismantles the myth of racial democracy in Brazil with series of pictures of men and women in contrast with the adjectives extracted from the book ‘Race and Class in Rural Brazil’ published in the 1950s by Columbia University and the UNESCO, placing racial issues in a historical perspective that is far from being resolved.

‘Eu, mestizo, 2017’ by Jonathas de Andrade

The room titled “Me, Myself and I” was dedicated to gender and identity, two intertwined themes as well as objects of activism and discussion in Latin America. Herman Bas (Miami, 1978), for instance, addresses issues of identity and belonging. Bas challenges conventional gender expectations and decontextualizes objects to provoke reflection.

‘Untitled, 202o’ by Hernan Bas

‘Panorama Catatumbo, 2018’ by Nohemi Perez (Colombia, 1964), a charcoal-on-fabric work, depicts territories affected by unequal development and internal conflicts.

The art blueberry next to ‘Panorama Catatumbo, 2018’ by Nohemi Perez

Another artwork that caught my attention was ‘Mantle I’ by Alice Wagner (Lima, Peru, 1974) that focuses on power and colonization where she combines different medium and techniques as a reflection and a confrontation between indigenous and European cultures and how these interactions have influenced Peruvian identity. In the same room, I found also outstanding the work by Claudia Coca (Lima, 1970) where she uses drawings simulating National Geographic covers, which from the artist’s point of view addresses scientific, cultural and historic topics that insist on the wild, exotic and distant in contrast to the West. The myth of the Other and its alien nature is clearly reflected here.

‘Mantle I’ by Alice Wagner
‘La tempestad’ by Claudia Coca

In one of the final rooms titled ‘Memory and Resistance,’ I encountered the works of some of the most renowned artists featured in this exhibition. Doris Salcedo (Bogota, Colombia, 1958) gives voice to the lives lost and forgotten due to the war on drug trafficking, ensuring they remain in collective memory by displacing everyday objects. In this instance, I observed a chair laden with cement.

‘Untitled, 2016’ by Doris Salcedo

Ana Mendieta (Cuba, 1948 – USA, 1985) presents a series of photographs exploring the connection between the body and nature through her performances and sculptures, drawing attention to violence against women in the USA. Meanwhile, Tania Bruguera (Cuba, 1968) addresses the lack of expression and freedom with two pieces showcased in this exhibition, which can also be viewed below.

‘The weight of guilt’ and ‘The body of silence’ (1998) by Tania Bruguera

Finally, ‘Statue of Liberty falling, 1983’ by Argentinian artist Marta Minujin (Buenos Aires, 1943) was created to commemorate the restoration of democracy in Argentina.

The little art gooseberry next to ‘Statue of liberty falling, 1983’ by Marta Minujín

The exhibition effectively organizes artworks around key themes concerning Latin American artists, exploring issues such as racism, ethnicity, class, and borders. It showcases brilliant works by highly recognized artists, shedding light on important cultural and political issues affecting Latin America.

Furthermore, in the 16th century, Seville was the main gateway to the transatlantic trade of the Spanish Empire, thanks to its position as the only river port in Spain and being one of the largest cities in Western Europe. Therefore, I consider choosing to host this exhibition in Seville meaningful, as it revitalizes the historical role of the city as a point of connection and highlights the deep cultural ties between Spain and Latin America.

La riqueza del arte latinoamericano

TERRITORIOS: Arte Latinoamericano Contemporáneo en la Colección de Jorge M. Pérez
2 de marzo – 1 de septiembre de 2024
CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla, España

Durante mi visita a Sevilla la semana pasada, existí a una exposición de arte temporal titulada TERRITORIOS – Arte Latinoamericano en la Colección de Jorge M. Pérez, en el CAAC, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, ubicado en el Monasterio de la Cartuja (Monasterio de Santa María de las Cuevas).

El lugar tiene relevancia histórica por sí solo. Construido como monasterio en el siglo XV, fue desamortizado por Mendizábal en el siglo XIX y adquirido por un inglés, Charles Pickman, para ser utilizado como fábrica de cerámica hasta finales del siglo XX. En 1997, el Monasterio Cartujo se convirtió en la sede del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo o CAAC. Sin embargo, a pesar del fantástico lugar donde se basa la exposición, el museo podría beneficiarse de una señalización o indicaciones más claras para los visitantes. Después de comprar las entradas, tuvimos que explorar el edificio para encontrar la entrada a la exposición. Desafortunadamente, no había señales ni pancartas que nos guiaran.

La relevancia histórica de Sevilla como puerto fluvial y su papel en el comercio transatlántico aportan un contexto valioso a la ubicación de la exposición. Esta exposición contribuye al paisaje cultural de Sevilla y sus conexiones históricas con América Latina.

La exposición presenta una selección de obras de más de 50 artistas latinoamericanos contemporáneos. Comisariada por los temas en los que estos artistas eligen enfocarse con su trabajo. Resalta la pluralidad sociocultural de América Latina y sus preocupaciones en relación con la política, las fronteras, la desigualdad, la etnicidad y la integración con la naturaleza, entre otros. Incluyendo una sala de arte abstracto un poco más difícil de categorizar en relación con estos temas.

La colección que se muestra pertenece a Jorge M. Pérez (1949), conocido por su asociación con una de las instituciones de arte más prestigiosas de los Estados Unidos, el Museo de Arte Pérez de Miami (PAMM). Pérez nació en Argentina de padres cubanos y se crió en Colombia. Residente de Miami desde 1968, es un empresario y filántropo que comenzó a coleccionar arte a una edad temprana para mantener una conexión con sus raíces hispanoamericanas y su herencia cultural.

Al ingresar a la exposición de arte, las primeras obras que nos recibieron fueron de ‘Colour is my business, 2012-2016’ de Alexander Apostol (Venezuela, 1969), una serie de 12 fotografías que identifican los colores de los partidos políticos venezolanos. Me recordó a las obras vibrantes de artistas brasileños como Hélio Oiticica, una forma alegre de comenzar una muestra de arte.

The art blueberry junto a ‘El color es mi negocio, 2012-2016’ de Alexander Apostol

En la primera sala, también hay una instalación de arte en el suelo de María Nepomuceno (Brasil, 1973), que incorpora tejidos, cerámica, madera y vidrio. Establece una relación entre el cuerpo y la naturaleza, reflexionando sobre la memoria y promoviendo un encuentro entre pasado, presente y futuro.

Sin título (2017) de Maria Nepomuceno

Otra pieza que llamó mi atención fue ‘Las ratas muertas no abren la boca, 2014’ de MORIS (Israel Meza Moreno) (México, 1978). Su trabajo ofrece una visión de la cultura urbana cotidiana, integrando diversos códigos sociales de la calle.

The little art gooseberry junto a ‘Las ratas muertas no abren la boca’ de MORIS

Otra sala titulada ‘Cartografías del Espíritu’ explora la intersección territorial y los límites socio-políticos, con obras como ‘Tablero, 2014,’ de Mateo López (Bogotá, Colombia, 1978), reflexionando sobre la identidad y la memoria.

‘Tablero, 2014’ de Mateo López

En el pasillo central, ‘Vertical 19 – da serie Marcados, 1983’ de Claudia Andujar (Suiza, 1931) retrata a los Yanomamis en la cuenca del río Catrimani en Brasil, mostrando su integración con la naturaleza.

‘Vertical 19’ de Claudia Andújar

Una sala aparte presenta ‘Eu, mestizo, 2017’ de Jonathas de Andrade (Brasil, 1982), explorando el mestizaje, la etnicidad y la clase en América Latina. Andrade desmonta el mito de la democracia racial en Brasil con una serie de imágenes de hombres y mujeres en contraste con los adjetivos extraídos del libro ‘Raza y Clase en Brasil Rural’, publicado en la década de 1950 por la Universidad de Columbia y la UNESCO, situando los problemas raciales en una perspectiva histórica que está lejos de ser resuelta.

‘Eu, mestizo, 2017’ de Jonathas de Andrade

La sala titulada “Yo, mi, me, conmigo” estuvo dedicada al género y la identidad, dos temas entrelazados y objetos de activismo y discusión en América Latina. Herman Bas (Miami, 1978), por ejemplo, aborda temas de identidad y pertenencia. Bas desafía las expectativas de género convencionales y descontextualiza objetos para provocar reflexión.

‘Sin título, 2020’ de Hernán Bas

‘Panorama Catatumbo, 2018’ de Nohemi Pérez (Colombia, 1964), una obra de carbón sobre tela, representa territorios afectados por un desarrollo desigual y conflictos internos.

The art blueberry junto a ‘Panorama Catatumbo, 2018’ de Nohemi Pérez

Otra obra que llamó mi atención fue ‘Manto I’ de Alice Wagner (Lima, Perú, 1974), que se centra en el poder y la colonización, donde combina diferentes medios y técnicas como reflejo y confrontación entre las culturas indígenas y europeas y cómo estas interacciones han influenciado la identidad peruana. En la misma sala, también encontré destacado el trabajo de Claudia Coca (Lima, 1970), donde utiliza dibujos que simulan portadas de National Geographic, que desde el punto de vista del artista abordan temas científicos, culturales e históricos que insisten en lo salvaje, exótico y distante en contraste con Occidente. El mito del Otro y su naturaleza ajena se refleja claramente aquí.

‘Manto I’ de Alice Wagner
‘La tempestad’ de Claudia Coca

En una de las últimas salas titulada ‘Memoria y resistencia’, me encontré con las obras de algunas de los artistas más reconocidas de esta exposición. Doris Salcedo (Bogotá, Colombia, 1958) da voz a las vidas perdidas y olvidadas debido a la guerra contra el narcotráfico, asegurando que permanezcan en la memoria colectiva mediante la displaciaón de objetos cotidianos. En este caso, observé una silla cargada de cemento.

‘Sin título, 2016’ de Doris Salcedo

Ana Mendieta (Cuba, 1948 – EE. UU., 1985) presenta una serie de fotografías que exploran la conexión entre el cuerpo y la naturaleza a través de sus performances y esculturas, llamando la atención sobre la violencia contra las mujeres en Estados Unidos. Mientras tanto, Tania Bruguera (Cuba, 1968) aborda la falta de expresión y libertad con dos piezas presentadas en esta exposición, que también se pueden ver a continuación.

‘El peso de la culpa’ y ‘El cuerpo del silencio’ (1998) de Tania Bruguera

Finalmente, ‘Estátua de la Libertad cayendo, 1983’ de la artista argentina Marta Minujín (Buenos Aires, 1943) fue creada para conmemorar la restauración de la democracia en Argentina.

The little art gooseberry junto a ‘Estátua de la Libertad cayendo, 1983’ de Marta Minujín

La exposición organiza eficazmente las obras de arte en torno a temas clave relacionados con los artistas latinoamericanos, explorando temas como el racismo, la etnicidad, la clase y las fronteras. Muestra obras brillantes de artistas altamente reconocidos, arrojando luz sobre importantes problemas culturales y políticos que afectan a América Latina.

En el siglo XVI, Sevilla era el principal punto de acceso al comercio transatlántico del Imperio Español, gracias a su posición como el único puerto fluvial de España y por ser una de las ciudades más grandes de Europa Occidental. Por ello, considero que la elección de Sevilla como sede de esta exposición es significativa, ya que revitaliza el papel histórico de la ciudad como punto de conexión y destaca los profundos lazos culturales entre España y América Latina.

Ten timber sculptures

Georg Baselitz: Sculptures 2011-2015
5 October 2023 – 7 January 2024
Serpentine Gallery, London, UK

The Serpentine South gallery currently showcases German artist Georg Baselitz’s work, available for viewing until tomorrow. Hurry to discover some of his latest pieces – created between 2011 and 2015 – reflecting on history, personal life, and childhood memories, modeled on himself and his wife Elke.

The visit felt to me like a visit to the artist’s studio, especially if you know that the ten timber sculptures in this art exhibition were not originally intended for public view. They were made as models, in preparation for bronze works. Each wooden sculpture is made from a single tree trunk, which Baselitz carved down using power saws, axes, and chisels. His solid, impactful figures retain the texture of timber, with distinctive incisions and notches across their surfaces.

Surrounded by the trees of Kensington Gardens, the venue complements the sculptures, evoking their original living forms in the forests of Saxony. The exhibition invites you into a forest of raw, timber sculptures, offering insights into Baselitz’s process and highlighting connections between his drawings and sculptures across different mediums. The accompanying drawings are not preparatory sketches but were created during the sculpting process.

There’s enough space within the gallery for visitors to walk freely around the huge artworks and engage with the performative side of sculpture, as we enjoyed doing, and you can see in the photos below. One of the most memorable works in this exhibition is “Zero Mobil”, a big timber sculpture suspended from the ceiling with a skull motif exploring themes of time, mortality, and the fragility of life.

“Zero Mobil”

Georg Baselitz (b. 1938, Saxony, Germany) first came to prominence in post-war Germany as a painter. From 1969 onwards, he has been known for turning upside down human forms and other motifs in an attempt to disrupt pictorial conventions. Turning figures upside down also invites abstraction and offers a fresh perspective on the world.

With a career spanning over six decades, Baselitz is one of the most prolific artists of his generation. He has also been one of the most controversial, with his early background fundamental to understanding his artwork. Born Hans-Georg Kern in Deutschbaselitz in 1938 in what later became East Germany (in 1958, he fashioned his name after his birthplace), the young Baselitz grew up in the immediate aftermath of World War II. According to the curator of the exhibition, Tamsin Hong, Baselitz doesn’t want to forget memories even if they are challenging.

Baselitz focused on form, color, and texture, bringing new perspectives to the tradition of German Expressionism. He turned to sculpture in 1979, continuing to explore tensions between the figurative and the abstract through crude approximations of figures and body parts carved from wood. Baselitz says of his creations: “My carvings are best described by Immanuel Kant: ‘Out of the crooked wood of humanity, nothing entirely straight can be built. It is only the approximation of this idea that nature imposes upon us.’”

Entering the South Serpentine gallery with this exhibition on display was like entering the artist’s studio and discovering the intricacies of his thought and creative process. The somehow primal shape of these huge sculptures, and the smell of the wood and the knowledge of being surrounded by trees outside the gallery contributes to make the experience grounded and authentic.

Diez esculturas de madera

Georg Baselitz: Esculturas 2011-2015
5 de octubre de 2023 – 7 de enero de 2024
Serpentine Gallery, Londres, Reino Unido

La galería Serpentine South exhibe actualmente la obra del artista alemán Georg Baselitz, abierta hasta mañana. Date prisa para descubrir algunas de sus últimas piezas, creadas entre 2011 y 2015, que reflejan la historia, la vida personal y los recuerdos de su infancia; inspiradas en él y su esposa Elke.

La visita me pareció como una visita al estudio del artista, especialmente si sabes que las diez esculturas de madera en esta exposición de arte no estaban originalmente destinadas a ser expuestas al público. Fueron hechas como maquetas o modelos, en preparación para trabajos en bronce. Cada escultura de madera está hecha de un solo tronco de árbol, que Baselitz talló con sierras eléctricas, hachas y cinceles. Sus figuras sólidas e impactantes conservan la textura de la madera, con incisiones y mellas distintivas en sus superficies.

Rodeado por los árboles de los jardines de Kensington, el lugar complementa las esculturas, evocando sus formas de vida originales en los bosques de Sajonia. La exposición te invita a adentrarte en un bosque de esculturas de madera en bruto, ofreciendo información sobre el proceso de Baselitz y destacando las conexiones entre sus dibujos y esculturas en diferentes medios. Los dibujos adjuntos no son bocetos preparatorios, sino que fueron creados durante el proceso de escultura.

Hay suficiente espacio dentro de la galería para que los visitantes caminen libremente entre las enormes obras de arte y se involucren con el lado performativo de la escultura, como hicimos nosotras y puedes ver en las fotos a continuación. Una de las obras más memorables de esta exposición es “Zero Mobil”, una gran escultura de madera suspendida del techo con un motivo de calavera que explora temas como el tiempo, la mortalidad y la fragilidad de la vida.

Georg Baselitz (n. 1938, Sajonia, Alemania) saltó a la fama por primera vez en la Alemania de la posguerra como pintor. A partir de 1969, se destacó por poner boca abajo formas humanas y otros motivos en un intento de alterar las convenciones pictóricas. Poner las figuras boca abajo también invita a la abstracción y ofrece una nueva perspectiva del mundo.

Con una carrera que abarca más de seis décadas, Baselitz es uno de los artistas más prolíficos de su generación. También ha sido uno de los más controvertidos, y sus antecedentes iniciales son fundamentales para comprender su obra de arte. Nacido como Hans-Georg Kern en Deutschbaselitz en 1938, en lo que más tarde se convirtió en Alemania Oriental (en 1958, adoptó su nombre en honor a su lugar de nacimiento), el joven Baselitz creció inmediatamente después de la Segunda Guerra Mundial. Según la comisaria de la exposición, Tamsin Hong, Baselitz no quiere olvidar los recuerdos, aunque sean desafiantes.

Baselitz se centró en la forma, el color y la textura, aportando nuevas perspectivas a la tradición del expresionismo alemán. Se dedicó a la escultura en 1979 y continuó explorando las tensiones entre lo figurativo y lo abstracto a través de crudas aproximaciones de figuras y partes del cuerpo talladas en madera. Baselitz dice de sus creaciones: “Immanuel Kant describe mejor mis tallas: ‘A partir de la madera torcida de la humanidad, no se puede construir nada completamente recto’. Es sólo la aproximación a esta idea lo que la naturaleza nos impone”.

Entrar a la galería South Serpentine con esta exposición fue como entrar al estudio del artista y descubrir las complejidades de su pensamiento y proceso creativo. La forma primitiva de estas enormes esculturas, el olor de la madera y el estar rodeado de árboles fuera de la galería contribuyen a que la experiencia sea sólida y auténtica.

Art for emotional and spiritual transformation

Marina Abramović
23 September 2023 – 1 January 2024
Royal Academy of Arts, London, UK

Marina Abramovic’s long-awaited 50-year retrospective is finally at the Royal Academy of Arts in London after Covid forced the institution to postpone what is the first retrospective given to a female artist.

Marina Abramović has become the grandmother of performance art. By pushing the limits of her body and mind to extremes, she has risked her health and even her life while extending her practice to embrace collective experiences of intimacy between artist and audience.

The show features a re-enactment of her most famous performances, achieving different levels of engagement from the audience. Upon entering the first dark room, you encounter ‘The Artist is Present,’ a restaging of one of her most famous performances through archive footage. Several dozen images of some of the 1,545 members of the public who came and sat opposite her in silence during the 75 days of her performance at New York’s MoMA in 2010 are presented. On one side, the attendees to the show; on the other, Marina Abramovic as she sat there with the camera pointing at her and capturing her reactions. It’s not usual for an artist to sit with her audience in such a way. The whole scene of Marina sitting in front of another person and dressing in such a long red dress reminds me of religious paintings from the Flemish Renaissance.


In the next room, you are introduced to her first performances as a young artist, a phase I didn’t know that well previously. Arguably, in her most famous performance, ‘Rhythm 0’ of 1974, she presented an array of objects to participants, inviting them to do as they would with her (Yoko Ono had set a precedent a decade before in her ‘Cut Piece’). A replica table is laid out at the Royal Academy: chains, scissors, whips, a rose, an apple, a loaded gun, which one man held to Abramović’s neck. Her courage was unmatched. You can see her with cuts on her body and totally impassive like a martyr in acceptance of her punishment.

Screening of ‘Rhythm 0’ (1974)

The following room was a recreation of her ‘Balkan Baroque’ performance from 1997 at the Venice Biennale. Although the 1,500 bloody cattle bones she had washed then were faked up here. This and the following room where you can see Abramovich on top of a white stallion holding a giant white flag in ‘The hero’ (2001) offer a view of the artist’s background.

Coming from Serbia and growing up in a strict home environment, her parents had been partisan fighters during World War II, for which they were awarded the Order of the People’s Heroes. The artist lived with her maternal grandmother, who was deeply religious and spiritual, until she was 6 years old when she went to live with her parents after her brother was born. Her mother was a strict disciplinarian who also inflicted physical punishment, which sort of explains to me why she’s always so interested in subjecting the body to harshness. She was exposed to the arts from an early age through her mother’s job at the Cultural Ministry.

‘Balkan Baroque’ (1997)
‘The hero’ (2001)

In the vast central gallery, you’ll encounter black and white period films where you can see the artist’s performances in the 70s with her partner at the time, the artist Ulay. They’ll be slapping each other’s faces, screaming at one another, and kissing each other. One of these works stands out, ‘Rest Energy’, where you see them performing a dangerous balancing act with an archer’s bow and arrow. If either of them gave an inch, one of them would have died.

From this point of the exhibition, you can see performances re-enacted by a new generation of artists trained by Abramovic at the Mariana Abramovic Institute. The first performers create ‘A pair of human gateposts’, two naked models making a barrier for visitors to pass through. The work re-creates ‘Imponderabilia,’ first staged in 1977 by the artist and Ulay. The performers may disturb some visitors, but I suspect the effectiveness of this isn’t the same as the original in the 70s.

As you progress to the next part of the exhibition, the following rooms display her solo work with ‘Transitory Objects,’ where crystals and minerals are embedded and invite public participation. In this part of her trajectory, she had broken up with Ulay, choosing a performance walking along the Chinese Wall to say goodbye, and she shifted her interests to a healing approach. Energy therapy seems to become a big influence in her work from now on. And despite the criticism received for that, I did enjoy these works, more than others in fact, particularly entering the room with a batch full of chamomile; the smell of it and sounds of the waves were very soothing.


In one of the last rooms, ‘The Levitation of St. Therese’ (2009), in which the artist, dressed in black, hangs above a kitchen recreating a mystical experience in memory of the Spanish saint, was aesthetically interesting, and a clear evidence to me of the significant role spirituality has taken in her work. The influence of her grandmother seems to come afloat here.

Finally, the last room hosts the recreation of her work ‘The house with the Ocean View’ that saw the artist live in a house constructed for 12 days in the wake of the 9/11 terrorist attacks in New York. The performance invited audiences to witness and share in the simple act of living. This work didn’t resonate with me, simply because the works she does where there’s punishment or hardship inflicted to the body aren’t my favourites.

The influence of Abramović is undeniable; she has positioned herself as a pioneer in the use of the live body for art, leaving an impressive legacy. In her exploration of art as a means for emotional and spiritual transformation, she has constantly evolved, challenging her audience. Although the absence of herself in her performances in the present, given her age, may slightly diminish the impact of her works, the fascinating interest in discovering and observing her developments at each stage persists.

‘The Levitation of St. Therese’ (2009)

Arte para la transformación emocional y espiritual

Marina Abramović
23 de septiembre de 2023 – 1 de enero de 2024
Royal Academy of Arts, Londres, Reino Unido.

La tan esperada retrospectiva de 50 años de Marina Abramović ha llegado finalmente a la Royal Academy of Arts en Londres después de que el Covid obligara a la institución a posponer lo que es la primera retrospectiva dedicada a una artista femenina.

Marina Abramović se ha convertido en la abuela de la actuación artística. Al empujar los límites de su cuerpo y mente hasta extremos, ha arriesgado su salud e incluso su vida, al tiempo que ha ampliado su práctica para abrazar experiencias colectivas de intimidad entre artista y público.

La exposición presenta una recreación de sus actuaciones más famosas, logrando diferentes niveles de participación del público. Al entrar en la primera sala oscura, os encontraréis con ‘La artista está presente’, una reposición de una de sus actuaciones más conocidas a través de material de archivo. Se presentan varias docenas de imágenes de algunos de los 1.545 miembros del público que asistieron y se sentaron frente a ella en silencio durante los 75 días de su actuación en el MoMA de Nueva York en 2010. En un lado, los asistentes a la exposición; en el otro, Marina Abramović sentada allí con la cámara apuntando hacia ella y capturando sus reacciones. No es usual que un artista se siente con su público de esta manera. Toda la escena de Marina sentada frente a otra persona y vistiendo un vestido rojo tan largo me recuerda a algunas pinturas religiosa del Renacimiento flamenco.

En la siguiente sala, os introduciréis en sus primeras actuaciones como joven artista, una parte que no conocía muy bien anteriormente. En su actuación más famosa, ‘Rhythm 0’ de 1974, presentó una serie de objetos a los participantes, invitándolos a hacer lo que quisieran con ella (Yoko Ono había establecido un precedente una década antes en su ‘Cut Piece’). Una mesa replicada se dispone en la Royal Academy: cadenas, tijeras, látigos, una rosa, una manzana, una pistola cargada, que un hombre sostuvo en el cuello de Abramović. Su valentía era inigualable. Podéis verla con cortes en su cuerpo y totalmente impasible como una mártir aceptando su castigo.

La siguiente sala recrea su actuación ‘Balkan Baroque’ de 1997 en la Bienal de Venecia. Aunque los 1.500 huesos de ganado ensangrentados que había lavado entonces eran falsos aquí. Esta y la siguiente sala, donde podéis ver a Abramovic sobre un semental blanco sosteniendo una bandera blanca gigante en ‘El héroe’ (2001), ofrecen una visión del trasfondo de la artista.

Proveniente de Serbia y creciendo en un entorno hogareño estricto, sus padres fueron luchadores partisanos durante la Segunda Guerra Mundial, por lo que fueron galardonados con la Orden de los Héroes del Pueblo. La artista vivió con su abuela materna, quien era profundamente religiosa, hasta los 6 años en que se fue a vivir con sus padres después del nacimiento de su hermano. Su madre era una disciplinaria estricta que también infligía castigos físicos, lo que explica en cierta medida por qué Abramović siempre ha estado tan interesada en someter el cuerpo a la dureza. Estuvo expuesta a las artes desde temprana edad a través del trabajo de su madre en el Ministerio de Cultura.

En la amplia galería central, os encontraréis con películas en blanco y negro de la época en la que la artista realizaba actuaciones en los años 70 con su pareja en ese momento, el artista Ulay. Se abofetearán las caras, se gritarán mutuamente y se besarán. Pero una de estas obras destaca, que es ‘Rest Energy’, donde les veis realizando un peligroso acto de equilibrio con un arco y flechas. Si alguno de ellos cediera, uno de ellos habría muerto.

A partir de este punto de la exposición, podéis ver actuaciones recreadas por una nueva generación de artistas entrenados por Abramović en el Instituto Mariana Abramović. Los primeros artistas crean ‘Un par de postes de entrada humanos’, dos modelos desnudos creando una barrera para que los visitantes pasen a través. La obra recrea ‘Imponderabilia’, representada por primera vez en 1977 por la artista y Ulay. Los artistas pueden perturbar a algunos visitantes, pero sospecho que la efectividad de esto no es la misma que la original en los años 70.

Al avanzar a la siguiente parte de la exposición, las salas siguientes muestran su trabajo en solitario con ‘Objetos Transitorios’, donde se incorporan cristales y minerales e invitan a la participación del público. En esta etapa de su trayectoria, se había separado de Ulay, eligiendo una actuación caminando a lo largo de la Muralla China para despedirse, y cambió sus intereses hacia un enfoque curativo. La terapia de energía parece convertirse en una gran influencia en su trabajo a partir de entonces. Y a pesar de las críticas recibidas por ello, disfruté de estas obras, más que de otras, en realidad. Especialmente al entrar en la sala con un montón de manzanilla; el olor y los sonidos de las olas eran muy relajantes.

En una de las últimas salas, ‘La levitación de Santa Teresa’ (2009), en la que la artista, vestida de negro, cuelga sobre una cocina recreando una experiencia mística en memoria de la santa española, fue estéticamente interesante y una clara evidencia para mí del papel significativo que la espiritualidad ha tomado en su trabajo. La influencia de su abuela parece aflorar aquí.

Finalmente, la última sala acoge la recreación de su obra ‘La casa con vista al mar’, en la que la artista vivió en una casa construida durante 12 días tras los ataques terroristas del 11 de septiembre en Nueva York. La actuación invitó al público a presenciar y compartir el simple acto de vivir. Este trabajo no me impactó tanto, principalmente porque los trabajos que ella hace en los que se infligen castigos o dificultades al cuerpo no son mis preferidos.

Abramović ha creado un gran legado y se ha convertido en una pionera en el uso del cuerpo vivo para el arte. En su exploración del arte como vehículo para la transformación emocional y espiritual, ha seguido evolucionando a lo largo del tiempo y desafiando a su público. No verla ahora en las actuaciones, dada su edad, hace que sus obras sean un poco menos efectivas. Pero, aun así, creo que sigue siendo interesante saber y ver qué ha estado haciendo en cada momento.

La influencia de Abramović es innegable; se ha erigido como pionera en el uso del cuerpo en vivo para el arte, dejando un legado imponente. En su exploración del arte como medio para la transformación emocional y espiritual, ha evolucionado constantemente, desafiando a su audiencia. Aunque la ausencia de sus actuaciones en la actualidad, dada su edad, pueda restar un poco de impacto a sus obras, persiste el fascinante interés por descubrir y observar sus desarrollos en cada etapa.

Capturing the sacred essence of books in painting

Wen Wu
28 September – 1 October 2023
British Art Fair at Saatchi Gallery, London, UK

A month ago, I visited the British Art Fair at the Saatchi Gallery, where I had the opportunity to explore the artworks and meet some of the artists and their gallerists. For those familiar with the Saatchi Gallery, you’ll know that it’s located in one of London’s most affluent areas, and its gallery space spans three levels and two inter-levels, ensuring that even with a bustling crowd, it never felt overly crowded.

Art recently reclaimed the top spot in Knight Frank’s ‘Luxury Investment Index’, as the growth in other asset classes tracked by the index begins to slow down or reverse. This might explain the growing trend of people turning to the art world as a means to invest their savings.

Among the many talented artists I encountered at the fair, one in particular, caught my attention—Wen Wu. Originally from China and a London resident for over two decades, Wen Wu is a graduate of Tsinghua University in Beijing, where she received guidance from Chen Dan Qing, a highly influential art educator in China.

Wu has an exceptional ability to transport her audience into her idiosyncratic universe, where a sense of mystery and magic prevails. She masterfully encapsulates her subjects in aesthetic elegance on her canvases, skilfully using a play of shadows to bring both the background and foreground to life with the infusion of ochre and chilly cerise blue tones.

Diverging from the politically driven Social Realist approach that dominated between 1950 and 1970, Wu embraces a more lyrical and “literary” form of neo-realism, drawing inspiration from a wide range of Western influences. Her inspirations range from 19th-century French plein air romanticism to the English Pre-Raphaelites, the Dutch masters, and the Spanish Baroque painters of the 17th century, including Diego Velázquez.

Each of Wu’s creations maintains its figurative nature, yet they emanate an abstract and almost sacred essence. The execution of these images, characterized by instinctual and sensual brushwork, captures the forms of bodies and the language of the models posed on tabletop objects, radiating an ineffable sense of nostalgia. Books hold significant inspiration for Wu, as she is an avid bibliophile. For her, they represent a universal language, embodying the power of knowledge.

I had the pleasure of meeting Wen Wu at the gallery stand, and she graciously posed for us, merging and interacting with the artworks, as we often do. Thank you for that, Wen!

Sources: VirginaVisualArts.com and Wikipedia.

Capturando la esencia sagrada de los libros en la pintura

Wen Wu
28 de septiembre – 1 de octubre de 2023
Feria de Arte Británico en la Galería Saatchi, Londres, Reino Unido

Hace un mes, estuve en la Feria de Arte Británico en la Galería Saatchi, donde tuve la oportunidad de explorar las obras de arte y conocer a algunos de los artistas y sus galeristas. Si habéis estado en la Saatchi, sabréis que está ubicada en una de las zonas más pudientes de Londres y que su espacio de galería se extiende en tres niveles y dos intermedios, lo que significa que, incluso con un montón de gente, no llegara a parecerme abarrotada.

El arte ha recuperado recientemente el primer puesto en el ‘Índice de Inversión de Lujo’ de Knight Frank, ya que el crecimiento en otras clases de activos rastreadas por el índice empieza a desacelerarse o incluso a revertirse. Esto podría explicar por qué cada vez más gente se está fijando en el mundo del arte como una forma de invertir sus ahorros.

De entre los muchos artistas talentosos que vi en la feria, una en particular me llamó la atención: Wen Wu. Originaria de China y residente en Londres desde hace más de dos décadas, Wen Wu se graduó en la Universidad de Tsinghua en Pekín, donde recibió orientación de Chen Dan Qing, un educador artístico influyente en China.

Wu tiene una habilidad increíble para transportaros a su universo peculiar, donde predomina un aire de misterio y magia. En sus lienzos, logra encapsular a sus sujetos con gran elegancia estética, utilizando sombras de manera habilidosa para dar vida tanto al fondo como al primer plano, con la mezcla de tonos ocres y azules cerúleos fríos.

Alejándose del enfoque políticamente impulsado del Realismo Social que dominó entre 1950 y 1970, Wu abraza una forma más lírica y “literaria” de neo-realismo, inspirándose en una amplia gama de influencias occidentales. Sus inspiraciones abarcan desde el romanticismo al aire libre francés del siglo XIX, hasta los Prerrafaelitas ingleses, los maestros holandeses y los pintores barrocos españoles del siglo XVII, incluyendo a Diego Velázquez.

Cada creación de Wu conserva su naturaleza figurativa, pero desprende una esencia abstracta y casi sagrada. La ejecución de estas imágenes, caracterizada por pinceladas instintivas y sensuales, capta las formas de los cuerpos y el lenguaje de los modelos que reposan sobre objetos de mesa, irradiando un sentido de nostalgia inexpresable. Los libros son una fuente importante de inspiración para Wu, ya que es una apasionada bibliófila. Para ella, representan un lenguaje universal que encarna el poder del conocimiento.

Tuve el placer de conocer a Wen Wu en el stand de la galería, y amablemente posó para nosotras, fusionándose e interactuando con las obras de arte, como solemos hacer. ¡Gracias por eso, Wen!

Fuentes: VirginaVisualArts.com and Wikipedia.

One step more for post-structuralism

maquinaciones
21 junio – 28 agosto, 2023
Museo Reina Sofia, Madrid, Spain

In August, I was at the Reina Sofia Museum in Madrid and saw an art exhibition that I would like to talk about here, even though it has already ended. To develop this exhibition, the museum maintained an open collaborative research model with professionals from different backgrounds, generating synergies with other projects, activities and publications inside and outside the museum. It seems like a starting point for further research. For this reason, I reckon that it is still relevant to talk about it.

The theme of the exhibition takes shape around the two-volume work ‘Anti-Oedipus’ (1972) and ‘A Thousand Plateaus’ (1980) of “Capitalism and Schizophrenia” published by Gilles Deleuze, French philosopher, and Félix Guattari, psychoanalyst and French political activist. This work had an influential success; and with its critique of psychoanalytic conformism, it marked a significant step in the evolution of post-structuralism – a philosophical movement that emerged in France during the 1960s.

According to Félix Guattari and Gilles Deleuze, the idea of the machine undergoes a paradigm shift with respect to Marxist analyses of the industrial society. Until that point, it had been regarded simply as a technical instrument which alienated the individual, turning them into one more piece of machinery in capitalist production. After 1968, this judgement was reformulated into an abstract nucleus capable of containing infinite human and non-human relations.

Under this premise, a machine is the result of a series of connections between different components which respond to the demands of a series of circumstances and is prepared to the rhythm of its cuts and flows, ultimately disintegrating in the same manner as it was built.

This displacement from the static to the dynamic, from the individual to the collective, from the technological to the socio-political, highlights the opposition of the temporary and multiple nature of the machinic in facing the claim for eternity and uniformness of the structural. Therefore, the primordial role of the machine is “to machinate”; namely, to conspire against established power, to imagine new possible assemblages to invent the necessary means for radical transformation.

In accordance with this theoretical framework, the exhibition machinations explored different forms of resistance, coalition and creativity that materialises in the present with around fifty artists, most of them from the Mediterranean area and African continent and reflect on the historical and present-day circumstances of such territories. The works were presented across a broad array of formats and techniques that included drawing, painting, comic books, sculpture, theatre, dance, performance, installation, film, video and animation from a critical perspective. 

If you have read my previous post, you know that I am interested in Post-modernism from the perspective of irreverence and skepticism to the “grand narratives” of modernism. Both Post-structuralism and Post-modernism focus on the question of representation and explore the ways in which dominant framings of world politics produce and reproduce relations of power: how they legitimate certain forms of action while marginalizing other ways of being. 

I consider this exhibition as a good example within a field of research that has much more to bring about for the arts and many other disciplines, and I look forward to seeing other art shows evolving around this topic in future.

Un paso más para el postestructuralismo

maquinaciones
21 junio – 28 agosto, 2023
Museo Reina Sofía, Madrid, España

En agosto estuve en el museo Reina Sofia en Madrid y vi una exposición de arte de la que me gustaría hablar aquí a pesar de que ya ha terminado. Para desarrollar esta muestra el museo mantuvo un modelo abierto de investigación colaborativa con profesionales de distintos bagajes generando sinergias con otros proyectos, actividades y publicaciones dentro y fuera del museo. Parece un punto de partida para futuras investigaciones. Por eso considero que todavía es relevante hablar de ella.

El tema de la exposición toma forma a partir del trabajo en dos volúmenes ‘Anti-Oedipus’ (1972) and ‘A Thousand Plateaus’ (1980) de  ‘Capitalismo y esquizofrenia’ publicados por Gilles Deleuze, filósofo francés, y Félix Guattari, psicoanalista y activista político francés.  Dicha obra tuvo un éxito influyente; y con su crítica del conformismo psicoanalítico, marcó un paso significativo en la evolución del posestructuralismo – movimiento filosófico que surgió en Francia durante la década de 1960.

En el pensamiento de Félix Guattari y Gilles Deleuze, la idea de máquina experimenta un cambio de paradigma decisivo respecto a los análisis marxistas de la sociedad industrial. Hasta entonces había sido considerada como un simple instrumento técnico que alienaba al individuo para convertirlo en una pieza más del engranaje de la producción capitalista. A partir de 1968 este juicio se reformula como un núcleo abstracto capaz de contener una infinidad de relaciones humanas y no humanas.

Bajo esta premisa, una máquina es el resultado de una serie de acoplamientos entre distintos componentes que responde a las exigencias de una determinada coyuntura y se moviliza al ritmo de sus flujos o cortes internos, pudiendo llegar a desintegrarse del mismo modo que se constituyó.

Este desplazamiento de lo estático a lo dinámico, de lo individual a lo colectivo, de lo tecnológico a lo sociopolítico, incide en la oposición del carácter temporal y múltiple de lo maquínico frente a la pretensión de eternidad y uniformidad de lo estructural. En este sentido, “maquinar” supone la función primordial de la máquina, es decir, conspirar contra el poder establecido, imaginar nuevos agenciamientos posibles, inventar los medios necesarios para una transformación radical.

De acuerdo con este marco teórico, la exposición maquinaciones explora distintas formas de resistencia, coalición y creatividad que se dan en el presente a través de casi medio centenar de artistas. Estos proceden, en su mayoría, del área mediterránea y del continente africano, y reflexionan sobre las circunstancias históricas y actuales de dichos territorios. Las propuestas presentadas incluían una amplia variedad de formatos y técnicas como el dibujo, la pintura, el cómic, la escultura, el teatro, la danza, la performance, la instalación, el cine, el video o la animación desde una perspectiva crítica.

Si has leído mi post anterior, sabrás que estoy interesada en el posmodernismo desde la perspectiva de irreverencia y escepticismo hacia las “grandes narrativas” del modernismo. Tanto el posestructuralismo como el posmodernismo se centran en la cuestión de la representación y exploran las formas en que los marcos dominantes de la política mundial producen y reproducen relaciones de poder: cómo legitiman ciertas formas de acción mientras marginan otras formas de ser.

Considero esta exposición como un buen ejemplo dentro de un campo de investigación que tiene mucho más que lograr para las artes y muchas otras disciplinas, y espero ver similares muestras de arte que giren en torno a este tema en el futuro.

Sources: Reina Sofia website and Wikipedia.

Abstract art inspired by nature

Hilma af Klint & Piet Mondrian
Forms of Life
20th April – 3rd September 2023
Tate Modern, London, UK

The last art show I saw at Tate Modern was “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”. Although they never met in real life, the Swedish and the Dutch artists come together in this exhibition to explore how their nature-inspired abstract art developed.

Despite their mutual interest in spirituality and in abstract form, I believe that the evolution experienced by both artists was very different. Nonetheless, I was pleased to discover af Klint’s work for the first time in this exhibition, and I was delighted to see many of the paintings created by both artists and displayed here.

Hilma af Klint (1862-1944) was a Swedish artist and mystic whose paintings are considered among the first abstract artworks in western art history. She belonged to a group called “The Five” – a circle of women inspired by Theosophy, who tried to contact the “high masters” by way of séances.

At her death, Af Klint left instructions for her works not to be shown in public for another 20 years. she believed audiences of the future might be more receptive to her esoteric paintings. And she was proved right, when the Guggenheim’s 2018 retrospective became more than seven decades later the biggest hit in the museum’s history.

Piet Mondrian (1872-1944) was a Dutch painter and art theoretician who is regarded as one of the greatest artists of the 20th century. He is known for being one of the pioneers of 20th-century abstract art, as he changed his artistic direction from figurative painting to an increasingly abstract style, until he reached a point where his artistic vocabulary was reduced to simple geometric elements. Mondrian’s art was highly utopian and was concerned with a search for universal values and aesthetics. 

He co-founded the De Stijl art movement with Theo van Doesburg and evolved a non-representational form which he termed Neoplasticism. This was the new ‘pure plastic art’ which he believed was necessary in order to create ‘universal beauty’. 

From the beginning of the exhibition, it’s easier to associate both artists since both appear to be thinking about art through nature. The juxtaposition of their work don’t seem to be competitive and their works are displayed on different walls. Af Klint’s botanical studies are grouped alone in all their delicate and prolific detail. Whereas, Mondrian paints the same apple tree many times, with an almost Japanese devotion.

However, the love that Mondrian shared with the De Stijl movement for primary colours and black lines is showcased minimally in this art show. Like the changes he experienced by encountering the various art movements of his time in Paris that led him to develop such a personal and iconic style.

The exhibition surprises you when it comes to getting to know Hilma af Klint’s work though. The artist was hardly known by her contemporaries and is frequently compared with 21st century artists since she was a lesbian, feminist, anti-establishment and a restless radical involved in women’s cooperatives.

In this art show, we seem to be confronting a modernist with a postmodernist artist. Although both lived almost at the same time (Mondrian was born 10 years later) and both died on the same year. Mondrian, like other modernists, focused on simplicity and elegance with colour, shape, and form, while promoting utopian ideals. By contrast, af Klint used her art to express her unique interpretation on spirituality based on experience.

Modern art is more associated with male artists, while Postmodern art features contributions from different genders, ethnicities, and classes. Modernist abstract painting in the 20th century found meaning in colours, logic in the lines and an internal coherence. Modernist artists worked towards an idealized version of artistic beauty. Postmodern art, however, rejects the idea that there is a right way to make art, is considered elaborate and decorative, and is based on chance.

In conclusion, the art show is interesting when it comes to confronting two different ways of understanding and creating art, both very related to the evolution of art in the last century. But their artistic journeys, from being inspired by nature to creating magnificent abstract paintings are very far from each other.

With Hilma af Klint, you see how she explores her beliefs through art. She channelled visions received from a spirit world to create exuberant and decorative works of art that have only started to be discovered and understood recently. With Piet Mondrian, you can perceive the evolution of art in the first half of last century. He went through inner and outer changes stimulated by mixing with the revolutionary art movements of his time, and ended up creating unique and iconic artworks that continue being an inspiration for generations of artists today.

Read the Spanish version below the pictures.

Mondrian
Mondrian
Mondrian
af Klint
af Klint
af Klint
af Klint

The little art gooseberry next to a painting by Piet Mondrian
Mondrian
Mondrian
The art blueberry next to a painting by Piet
Mondrian
Mondrian
af Klint
af Klint

Arte abstracto inspirado en la naturaleza

Hilma Af Klint y Piet Mondrian
Formas de vida
20 de abril – 3 de septiembre de 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

La última muestra de arte que vi en la Tate Modern fue “Hilma af Klint & Piet Mondrian: Forms of Life”. Aunque nunca se conocieron en la vida real, la pintora sueca y el pintor holandés se reúnen en esta exposición para explorar cómo se desarrolló su arte abstracto inspirado en la naturaleza.

A pesar de su mutuo interés por la espiritualidad y la forma abstracta, la evolución experimentada por ambos artistas fue muy diferente. No obstante, me agradó descubrir el trabajo de af Klint por primera vez en esta exposición, y me encantó ver muchas de las obras expuestas de ambos artistas.

Hilma af Klint (1862-1944) fue una artista y mística sueca cuyas pinturas se consideran entre las primeras obras de arte abstractas en la historia del arte occidental. Pertenecía a un grupo llamado “Las Cinco”, un círculo de mujeres inspiradas en la Teosofía, que intentaban contactar a los llamados “maestros superiores” a través de sesiones de espiritismo.

Tras su muerte, af Klint dejó instrucciones para que sus obras no se mostraran en público durante otros 20 años. Creía que el público del futuro sería más receptivo a sus pinturas esotéricas. Y se demostró que tenía razón cuando la retrospectiva del Guggenheim de 2018 se convirtió más de siete décadas después en el mayor éxito en la historia del museo.

Piet Mondrian (1872-1944) fue un pintor y teórico del arte holandés, considerado uno de los más grandes artistas modernistas del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX, que cambió su dirección artística de la pintura figurativa a un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a simples elementos geométricos. El arte de Mondrian era muy utópico y se preocupaba por la búsqueda de valores y estéticas universales.

Cofundó el movimiento artístico De Stijl con Theo van Doesburg y desarrolló una forma no figurativa que denominó Neoplasticismo. Este era el nuevo ‘arte plástico puro’ que creía necesario para crear la ‘belleza universal’.

Desde el comienzo de la exposición, es más fácil asociar a ambos artistas, ya que ambos parecen estar pensando en el arte a través de la naturaleza. La yuxtaposición de su trabajo no parece ser competitiva y sus obras se exhiben en paredes diferentes. Los estudios botánicos de af Klint se agrupan solos en todo su delicado y prolífico detalle. Mientras que Mondrian pinta muchas veces el mismo manzano, con una devoción casi japonesa.

Sin embargo, la predileción por los colores primarios y las líneas negras que Mondrian compartió con el movimiento De Stijl se muestra mínimamente en esta exposición, así como los cambios que experimentó al encontrarse en París con los diversos movimientos artísticos de su tiempo que le llevaron a desarrollar un estilo tan personal e icónico.

Eso sí, la exposición sorprende a la hora de conocer la obra de Hilma af Klint. La artista apenas era conocida por sus contemporáneos y es frecuentemente comparada con artistas del siglo XXI. Era lesbiana, feminista, antisistema, radical e involucrada en las cooperativas de mujeres.

En esta exposición de arte, parece que estamos confrontando a un artista modernista con un artista posmoderno. Aunque ambos vivieron casi al mismo tiempo (Mondrian nació 10 años después) y ambos fallecieron el mismo año. Mondrian, como otros modernistas, se centró en la simplicidad y la elegancia, en el color y la forma, al tiempo que promovía ideales utópicos. Por el contrario, af Klint usa su arte para expresar su interpretación única de la espiritualidad, basada en la experiencia.

El arte moderno está más asociado con artistas masculinos, mientras que el arte posmoderno presenta contribuciones de diferentes géneros, etnias y clases. La pintura abstracta modernista del siglo XX encuentra coherencia interna y lógica en las líneas y colores que emplea. Los artistas modernistas trabajaron hacia una versión idealizada de la belleza artística. El arte posmoderno, sin embargo, rechaza la idea de que existe una forma correcta de hacer arte, se considera elaborado y decorativo, y se basa en el azar.

En conclusión, la muestra de arte resultó interesante a la hora de confrontar dos formas diferentes de entender y hacer arte muy relacionadas con la evolución del arte en el siglo pasado. Pero sus trayectorias artísticas, desde inspirarse en la naturaleza hasta crear magníficas pinturas abstractas, están muy lejos la una de la otra.

Con Hilma af Klint, ves cómo exploraba sus creencias a través del arte. Canalizaba las visiones recibidas de un mundo espiritual para crear obras de arte exuberantes y decorativas que apenas han comenzado a ser descubiertas y comprendidas recientemente. Con Piet Mondrian, se puede percibir la evolución del arte en la primera mitad del siglo pasado. Pasó por cambios internos y externos estimulado por la influencia de los movimientos artísticos revolucionarios de su tiempo, y terminó creando obras de arte únicas e icónicas que siguen siendo una inspiración para generaciones de artistas actualmente.

Sources: Tate website, The Guardian, Wikipedia.

Fibrous structures

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 May 2023
Tate Modern, London, UK

This is the last weekend of this art exhibition at Tate Modern. If you haven’t seen it and you haven’t got other plans for the weekend, I encourage you to go. So far, it’s been my favourite art show this year, and certainly an interesting experience getting to know the work of this artist.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) was a Polish sculpture and fiber artist, known for her use of textiles as sculptural medium. Today she’s highly regarded as one of Poland’s most internationally acclaimed artists. She was born to an aristocratic family and lived in the countryside during her childhood, until the Second World War and subsequently the communist regime reversed their life.

Luckily the forest of her childhood used as an inspiration for her artworks was quite neutral, so the censorship to her work was milder than for other artists. An early show of her work, however, was shut down by the authorities for not actively engaging with the building of socialism. Individual expression had to be in service of the common good at the time. On the other side, the state encouraged cooperation between designers, craftspeople and artisans, which was used by Abakanowicz in her advatange. She became the pioneer of fiber-based sculpture and installation in the 1960s.

Abakanowicz was a weaver of sculptures. But what she did was so radical that it keeps amazing us today. She took the conventional flat tapestry woven for thousands of years and remade it in three dimensions. Her weavings are huge works suspended from the ceiling of organic quality. The artist takes you in a journey that showcases her ideas about nature’s power and our place in it as human beings.

As you enter the art show, you’re presented to smaller works that give you an overview of her beginnings as an artist, including naturalistic abstraction, geometric compositions filled with organic forms, some in paper, other in canvas. Her early tapestries are big, sombre abstracts of brown, beige and tan wool. Some parts are ragged, others braided. The resemble old carpets worn and tattered by lot of use.

Abakanowicz saw fibre, “as the basic element constructing the organic world… the tissue of plants, leaves and ourselves, our nerves, our genetic codes… We are fibrous structures.” she said.

Soon she outgrew the idea of making rectangular works and let the tapestries take a freer form hanging from the ceiling. She started by making them with curved, perforated and wavy shapes. Her works hanging from the ceiling are fibrous, twisted, knotted, and have ropes dangling nearby or animal horns, so that they seem to take on a life of their own. Its material warmth and earthy organic scent is comforting to the viewer.

The central room showcases a collection of dark works as described above; it was like encountering nature in its most basic, original state with its strength and comforting power. As you move along the show you start coming across the human body deconstructed in pieces. You’ll be arrested by the depictions of the female body, of opened labia, the body’s orifices and protuberances, breasts, pregnant bellies and so on.

One of the difficulties facing critics of Abakanowicz’s work through the 1960s and 70s was how to place the varied and multiform things she made. Were her wall-hangings and suspended woven works art at all? Was it craft or “applied art” or “fibre art”? Was it sculpture?  Critics called her a “painter at the looms”, and described her works as “carpet creatures”. They even received the name of Abakans, coming from her surname.

This art exhibition at the Tate Modern is like a primal experience. As you move through the artworks a forest seem to emerge around you. Some dark works of art seem to be branching out like trees, others tangled like vines, others are like trunks opened to protect you from a storm. An ancient forest, primal and mysterious – all created from wool develops around you. And subsequently, a deconstruction of the human body, only to remember us that we are part of nature. Let’s not forget that!

Estructuras fibrosas

Magdalena Abakanowicz
Every tangle of threat and rope
21 mayo 2023
Tate Modern, Londres, Reino Unido

Este es el último fin de semana de esta exposición de arte en la Tate Modern. Si no la has visto y no tienes otros planes para el fin de semana, te animo a que vayas. Hasta ahora, ha sido mi exhibición de arte favorita este año, y sin duda una experiencia interesante conocer el trabajo de esta artista.

Magdalena Abakanowicz (1930-2017) fue una artista polaca de escultura y fibra, conocida por su uso de textiles como medio escultórico. Hoy en día es considerada como una de las artistas polacas más aclamadas internacionalmente. Nació en una familia aristocrática y vivió en el campo durante su infancia, hasta que la Segunda Guerra Mundial y posteriormente el régimen comunista cambiaron su vida.

Afortunadamente, el bosque de su infancia que usó como inspiración para su arte fue bastante neutral, por lo que la censura a su trabajo fue más leve que para otros artistas. Sin embargo, las autoridades cerraron una muestra temprana de su trabajo por no participar activamente en la construcción del socialismo. La expresión individual tenía que estar al servicio del bien común de la época. Por otro lado, el estado fomentó la cooperación entre diseñadores y artesanos, lo que fue aprovechado por Abakanowicz en su beneficio. Se convirtió en pionera de la escultura e instalaciones a base de fibra en la década de 1960.

Abakanowicz era tejedora de esculturas. Pero lo que hizo fue tan radical que hoy nos sigue sorprendiendo. Tomó el tapiz plano convencional tejido durante miles de años y lo rehízo en tres dimensiones. Sus tejidos son obras gigantescas suspendidas del techo de calidad orgánica. La artista te lleva en un viaje que muestra sus ideas sobre el poder de la naturaleza y nuestro lugar en ella como seres humanos.

Al entrar en la exposición de arte, se presentan obras más pequeñas que te brindan una descripción general de sus inicios como artista, incluida la abstracción naturalista, composiciones geométricas llenas de formas orgánicas, algunas en papel, otras en lienzo. Sus primeros tapices son resúmenes grandes y sombríos de lana marrón, beige y canela. Algunas partes están rotas, otras trenzadas. Se parecen a alfombras viejas gastadas y rotas por mucho uso.

Abakanowicz veía la fibra, “como el elemento básico que construye el mundo orgánico… el tejido de las plantas, las hojas y nosotros mismos, nuestros nervios, nuestros códigos genéticos… Somos estructuras fibrosas” dijo ella.

Pronto superó la idea de hacer obras rectangulares y dejó que los tapices tomaran una forma más libre colgando del techo. Empezó haciéndolas con formas curvas, perforadas y onduladas. Sus obras colgadas del techo son fibrosas, retorcidas, anudadas y tienen cuerdas colgando cerca o cuernos de animales de manera que parecen cobrar vida propia. Su calidez material y olor orgánico terroso es reconfortante para el espectador.

La sala central exhibe una colección de obras oscuras como he descrito arriba; fue como encontrarse con la naturaleza en su estado primigenio con toda su fuerza y poder reconfortante. A medida que avanzas en la muestra, comienzas a encontrarte con el cuerpo humano deconstruido en pedazos. Te cautivarán las representaciones del cuerpo femenino, de los labios abiertos, los orificios y protuberancias del cuerpo, los senos, las barrigas de embarazo, etc.

Una de las dificultades que enfrentaron los críticos del trabajo de Abakanowicz durante las décadas de 1960 y 1970 fue cómo ubicar las cosas variadas y multiformes que hizo. ¿Sus tapices y tejidos suspendidos eran arte en absoluto? ¿O era artesanía o “arte aplicado” o “arte de la fibra”? ¿Era escultura? Los críticos la llamaron “pintora de los telares”, y describieron sus obras como “criaturas de alfombra” e incluso recibieron el nombre de Abakans, proveniente de su apellido.

Esta exposición de arte en la Tate Modern es como una experiencia primaria. A medida que avanzas por la muestra, parece que un bosque emerge a tu alrededor. Algunas obras de arte oscuras parecen ramificarse como árboles, otras se enredan como vides, otras son como troncos abiertos para protegerte de una tormenta. Un bosque antiguo, primitivo y misterioso, todo creado a partir de lana se despliega a tu alrededor. Y luego, una deconstrucción del cuerpo humano a continuación, solo para recordarnos que somos parte de la naturaleza. ¡No olvidemos eso!

Disquieting apocalyptic visions

Mike Nelson
Extinction Beckons
22 Feb – 7 May 2023
Hayward Gallery, London, UK

I only found out about this exhibition when it had been open for over a month and it closes soon. But since it’s the first Mike Nelson survey exhibition to date, I didn’t want to miss it. In my opinion, he is one of the most notable British artists working today, whom I covered previously on this other post about his art show at the Duveen gallery in Tate Britain in 2019.

‘Extinction Beckons’ brings together many installations taken from different places, many of which are presented here for the first time since they were initially exhibited. For this survey, rather than rebuild past works, Nelson has reimagined them, breaking them up and recontextualising them.

Nelson draws on science fiction for its narrative construction and is not tied to representations of the real world. He combines different architectural spaces with no clear relation to one another. We can only find this in a novel or in film, or in virtual reality, but we cannot find this in the real world. What’s more, he adds such a level of detail that it feels real.

Constructed with materials rummaged from salvage yards, junk shops, auctions and flea markets, his installations have some sort of disquieting life-like quality, in which past, present and future are hard to pin down. Highlighting his interest on the idea of time as a fluid concept. Often the abandoned-looking spaces Nelson creates contain traces of past activities and people, but their uncanny atmosphere makes them appear like visions of a dystopian future.

The first room you encounter as you enter the art show is a red and dim-lit room that seemed to resemble a photographic dark room with shelves full of the sort of material you would find in a shed in your garden. That light and the set up bring you into a time-lagged alternative dimension.

The next big installation is a complex labyrinth made of wood, which makes you go from one room to another with the sound of screeching doors and flickering lights in some of them, a phone that doesn’t ring and an old fan in motion. This messed my sense of orientation, and I couldn’t avoid feeling anxious as I moved from one room to the next. I must say that I have an aversion to claustrophobic spaces. I wasn’t sure whether I had travelled back in time or this was part of an apocalyptic view of the future.

As you climb up the stairs, you encounter a room full of sand and burnt-out tyres that includes a half-burying shed with a photographic lab inside filled with red light. This is Nelson’s vision of an abandoned woodshed ‘drowned in a desert’, which references the iconic work by American artist Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. A hint to a sci-fi portrayal of a post-apocalyptic world. Making his work during the Iraq war, Nelson substituted sand for Smithson’s earth and added the oil barrels to evoke a Middle Eastern landscape.

The following room includes some of the pieces he used through “The Asset Strippers” at Tate Britain a few years ago to reflect on the death of the manufacturing industry in the UK with the lost jobs and the impact it had in many lives. Nelson’s sculpture alludes to the industrial functions of metal. He allows his objects to be relics first, sculptures second, and machines again with a mysterious appearance that makes you look at them in a new light. See the new version I’m including of the ‘Magical thinking and twisted logic…’ in comparison to the one we made at Tate Britain with The art blackberry on it.

The art blueberry interacting with Mike Nelson’s installation ‘Magical thinking and twisted logic…’.

With all his references to sci-fi, failed political movements, dark histories, countercultures, while also using references to capitalism, colonialism, war and the environment, he seems to bring us to alternative ways of living and thinking in an increasingly homogenised and globalised world. He has been particularly inspired by authors such as William Burroughs, Arkady and Boris Strugatsky, J.G. Ballard and Stanislaw Lemr.

The sequence of installations recreated for this survey exhibition immerse the viewer in a psychologically charge space that manages to disorient and encapsulate you. His work is highly emotional and disquieting, but also a good view into the artist’s complex thought process.

The little art gooseberry interacting with Mike Nelson’s installation at the Hayward gallery.

Inquietantes visiones apocalípticas

Mike Nelson
Señales de extinción
22 de febrero – 7 de mayo de 2023
Hayward Gallery, Londres, Reino Unido

Sólo supe de esta exposición cuando llevaba abierta más de un mes y cierra pronto. Pero dado que es la primera retrospectiva de Mike Nelson hasta la fecha, no quería perdérmela. En mi opinión, es uno de los artistas británicos más notables que hay en la actualidad, a quien cubrí anteriormente en este post sobre su exposición de arte en la galería Duveen en Tate Britain en 2019.

‘Extinction Beckons’ reúne muchas instalaciones tomadas de diferentes lugares, muchas de las cuales se presentan aquí por primera vez desde que se exhibieron inicialmente. Para esta retrospectiva, en lugar de reconstruir obras anteriores, Nelson las ha vuelto a imaginar, dividiéndolas y recontextualizándolas.

Nelson se inspira en ciencia ficción para su construcción narrativa y no se ata a representaciones del mundo real. Combina diferentes espacios arquitectónicos sin una clara relación entre ellos. Solo podemos encontrar esto en una novela o en una película, o incluso en la realidad virtual, pero no podemos encontrarlo en el mundo real. Además, agrega tal nivel de detalle que parece real.

Construidas con materiales extraídos de chatarrerías, subastas y mercadillos, sus instalaciones tienen una especie de inquietante parecido a la realidad, en las que el pasado, el presente y el futuro son difíciles de precisar. Esto destaca su interés por la idea del tiempo como un concepto fluido. A menudo, los espacios de aspecto abandonado que crea Nelson contienen rastros de actividades y personas pasadas, pero su extraña atmósfera los hace parecer visiones de un futuro distópico.

La primera habitación con la que te encuentras al entrar en la exposición de arte es una habitación roja y tenuemente iluminada que parece una habitación oscura fotográfica con estantes llenos de todo tipo de material que encontrarías en un cobertizo en tu jardín. Esa luz y la configuración te llevan a una dimensión alternativa en el tiempo en la que pudiera haber un retraso entre causa y efecto.

La siguiente gran instalación es un complejo laberinto de madera, que te hace ir de una habitación a otra con el sonido de puertas chirriando y luces parpadeantes en algunas, un teléfono que no suena y un viejo ventilador en movimiento. Esto confundió mi sentido de la orientación y no pude evitar un sentimiento de ansiedad mientras me movía de una habitación a la siguiente. Debo decir que tengo aversión a los espacios claustrofóbicos. No estaba segura de si había viajado en el tiempo o si esto era parte de una visión apocalíptica del futuro.

A medida que subes las escaleras, te encuentras con una habitación llena de arena y llantas quemadas que incluye un cobertizo semienterrado con un laboratorio fotográfico lleno de luz roja. Esta es la visión de Nelson de la icónica obra del artista estadounidense Robert Smithson ‘Partially buried woodshed’. Una pista para una representación de ciencia ficción de un mundo postapocalíptico. Al realizar su trabajo durante la guerra de Irak, Nelson sustituyó la arena por la tierra de Smithson y agregó los barriles de petróleo para evocar un paisaje de Oriente Medio.

La siguiente sala incluye algunas de las piezas que usó para la muestra “The Asset Strippers” en Tate Britain hace unos años para reflexionar sobre la muerte de la industria manufacturera en el Reino Unido con la pérdida de empleos y el impacto que tuvo en muchas vidas. Las esculturas de Nelson aluden a las funciones industriales del metal. Permite que sus objetos sean primero reliquias, luego esculturas y máquinas nuevamente con una apariencia misteriosa que te hace mirarlos bajo una nueva luz. Podéis ver la nueva versión que incluyo del ‘Pensamiento mágico y lógica retorcida…’ en comparación con la que hicimos en la Tate Britain con The art blackberry en ella.

Con todas sus referencias a la ciencia ficción, los movimientos políticos fallidos, las historias oscuras, la contracultura, así como las referencias que hace al capitalismo, el colonialismo, la guerra y el medio ambiente, parece llevarnos a formas alternativas de vivir y pensar en un mundo cada vez más homogeneizado y globalizado. Nelson parece haber sido particularmente inspirado por autores como William Burroughs, Arkady y Boris Strugatsky, J.G. Ballard y Stanislaw Lemr.

La secuencia de instalaciones recreadas para esta retrospectiva sumerge al espectador en un espacio de carga psicológica que logra desorientarlo/a y encapsularlo/a. Su trabajo es muy emotivo e inquietante, pero también una buena visión del complejo proceso de pensamiento del artista.

A lost era

Soheila Sokhanvari
Rebel Rebel
Fri 7 Oct 2022—Sun 26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, London, UK

We recently visited the Soheila Sokhanvari art exhibition at The Curve, one of the art galleries you can find at the Barbican Art Centre in London. I hadn’t been there for a while, so it was good rediscovering this space that counts on a wide cultural offer and is really warm to hang around in the winter months.

As you enter the exhibition and walk along the 90-metre gallery (light is dim and walls are hand-painted with Islamic geometric shapes), you start coming across the 27 small portraits of feminist icons from pre-revolutionary Iran, painted in the tradition of Persian miniature painting -in egg tempera onto calf vellum with a squirrel-hair brush.

The art show offers an intimate and disturbing experience, as it invites you to discover the lives of these women by getting close to the paintings and their colourful details, while you know that this is part of a lost era. They are made in a small size and are displayed without names or biographical info, just painted numbers, in dark frames against the green murals of geometric crystals.

The fashion style and the wall paper displayed on these paintings, as well as the fragmented mirror that stands at the beginning of the corridor made me think of the 1970s. Indeed, the exhibition title “Rebel Rebel” borrows from David Bowie’s 1974 cult pop song and pays tribute to the significant courage of these 27 female icons, who pursued their careers in a culture enamoured with Western style but not its freedoms.

These women include Roohangiz Saminejad, the first unveiled actress to appear in a Persian language film, who had to change her name and lived in anonymity and seclusion following the revolution; the controversial modernist poet Forough Farrokhzad; and the leading intellectual and writer Simin Dāneshvar, among many others. The title also serves as a lament to the fate of these women, after the Iranian Revolution of 1979 and the subsequent establishment of a conservative Islamic theocracy, left them with a stark choice: to renounce any role in public life, or be forced into exile. Hard decision faced not only by these women, but by many other individuals throughout the years since the revolution started.

The soundtrack that accompanies your exploration along the show was composed by Marios Aristopoulos, which weaves together songs by celebrated Iranian singers from the mid-20th century, including Ramesh and Googoosh – a poignant gesture given that it remains illegal for a woman’s voice to be broadcast in Iran. And at the end of it, a big and extravagant sculptural form made of mirror hanging from the ceiling and featuring internal projections drawn from classic Iranian cinema.

The feminist icons shown in this exhibition look so western that is almost hard to believe that we’re looking at Iranian women on these portraits. Nonetheless, it’s worth looking at these paintings, before you find out more about their lives -they can be appreciated in their glory before finding out their fates after the Islamic Revolution. A lot of artists from their generation chose to “repent” and continued to work with the regime and in line with its agendas. But, the majority of women portrait in this exhibition made a choice to stand by what they believed in, even if it meant they had to go behind closed doors and no longer be publicly active. For example, Simin Dāneshvar continued to write after the revolution and refused to cooperate with the regime each time they tried to use her in their propagandists agendas.

This exhibition comes timely as Iran’s current unrest make the headlines in the news all over the world. Forty-three years after the revolution, the situation for women in this country has only got worse. Several Iranians have been sentenced to death by execution during the nationwide protests, which were sparked by the death of 22-year-old Mahsa Amini after she was apprehended by the state’s morality police for allegedly not wearing her hijab properly. While it’s hard to believe the current regime will actually crumble following the current protests, a change is more than due, so fingers crossed for that.

Admission: Free.

Una época perdida

Soheila Sokhanvari
Rebelde rebelde
7 Oct 2022—26 Feb 2023
The Curve, Barbican Centre, Londres, Reino Unido.

Hace poco que visitamos esta exposición de arte de Soheila Sokhanvari en The Curve, una de las galerías de arte que puedes encontrar en el Barbican Art Centre de Londres. Hacía tiempo que no iba, así que fue bueno redescubrir este espacio, que cuenta con una amplia oferta cultural y es muy acogedor para los meses de invierno.

Al entrar en la exposición y caminar por la galería de 90 metros (la luz es tenue y las paredes están pintadas a mano con formas geométricas islámicas), empiezas a encontrarte con los 27 pequeños retratos de iconos feministas del Irán prerrevolucionario, pintados en la tradición de la pintura en miniatura persa -en temple al huevo sobre vitela de becerro con un pincel de pelo de ardilla.

La muestra de arte ofrece una experiencia íntima e inquietante, ya que invita a descubrir la vida de estas mujeres acercándose a las pinturas y sus coloridos detalles, sabiendo que todo es parte de una época perdida. Están hechos en un tamaño pequeño y se muestran sin nombres ni datos biográficos, solo números pintados, en marcos oscuros contra los murales verdes de cristales geométricos.

El estilo de moda y el papel de pared que se muestran en estas pinturas, así como el espejo fragmentado que se encuentra al comienzo del pasillo me hizo pensar en la década de 1970. De hecho, el título de la exposición “Rebel Rebel” toma prestado de la canción pop de culto de David Bowie de 1974 y rinde homenaje al valor significativo de estos 27 iconos femeninos, que siguieron sus carreras en una cultura enamorada del estilo occidental, pero no de sus libertades.

Estas mujeres incluyen a Roohangiz Saminejad, la primera actriz sin velo que apareció en una película en idioma persa, quien tuvo que cambiar su nombre y vivió en el anonimato y reclusión después de la revolución; la controvertida poeta modernista Forough Farrokhzad; y la destacada intelectual y escritora Simin Dāneshvar, entre muchos otras. El título también sirve como un lamento por el destino de estas mujeres, después de que la revolución iraní de 1979 y el posterior establecimiento de una teocracia islámica conservadora las dejaran con una dura elección: renunciar a cualquier papel en la vida pública o verse obligadas a exiliarse. Difícil decisión a la que se enfrentaron no sólo estas mujeres, sino muchos otros individuos a lo largo de los años desde que comenzó la revolución.

La banda sonora que acompaña tu exploración a lo largo de la muestra fue compuesta por Marios Aristopoulos, que entreteje canciones de célebres cantantes iraníes de mediados del siglo XX, incluidos Ramesh y Googoosh, un gesto conmovedor dado que sigue siendo ilegal que se transmita la voz de una mujer en Irán. Y al final, una gran y extravagante forma escultórica hecha de espejos colgados del techo y con proyecciones internas extraídas del cine iraní clásico.

Los íconos feministas que se muestran en esta exposición se ven tan occidentales que es casi difícil creer que estamos viendo mujeres iraníes en estos retratos. Sin embargo, vale la pena mirar estas pinturas antes de saber más sobre sus vidas, se pueden apreciar en su gloria antes de conocer su destino después de la Revolución Islámica. Muchas artistas de su generación optaron por “arrepentirse” y continuaron trabajando con el régimen y de acuerdo con sus agendas. Pero, la mayoría de las mujeres retratadas en esta exposición tomaron la decisión de defender lo que creían, incluso si eso significaba tener que ir a puertas cerradas y dejar de ser activas públicamente. Por ejemplo, Simin Dāneshvar continuó escribiendo después de la revolución y se negó a cooperar con el régimen cada vez que intentaron usarla en sus agendas propagandísticas.

Esta exposición es particularmente oportuna ahora que los disturbios en Irán ocupan los titulares de las noticias de todo el mundo. Cuarenta y tres años después de la revolución , la situación de las mujeres en este país no ha hecho más que empeorar. Varios iraníes han sido condenados a muerte por ejecución durante las protestas en todo el país, provocadas por la muerte de Mahsa Amini, de 22 años, después de que fuera detenida por la policía de moralidad del estado por presuntamente no llevar puesto el hiyab correctamente. Si bien es difícil creer que el régimen actual se derrumbe después de las protestas actuales, es más que necesario un cambio, así que crucemos los dedos para que ocurra.

Entrada: Libre.